“The Bronx-La Villette” Projet Exposition

TheBronxLaVillette_Pellegrinuzzi_2019_003.jpg Femme blonde devant bougies

Portrait d’une femme @ The Bronx

« The Bronx-La Villette » Projet Exposition sera à la Bibliothèque Claude Lévi-Strauss à Paris d’octobre à fin décembre 2019 suite à une première exposition en 2016 et au succès de sa présentation à New York l’année dernière.

Pendant trois mois, l’exposition de 90 photos est divisée en trois parties avec une rotation de 30 photos chaque mois.

Cette exposition consiste en un portrait croisé entre deux quartiers à l’histoire similaire. Tous deux sont marqués par un passé difficile émaillé de vagues de criminalité ayant contribué à véhiculer une image négative, des origines ouvrières tumultueuses et un multiculturalisme fort lié aux vagues migratoires. Désormais, une profonde rénovation urbaine et sociologique a achevé la mutation de ces deux quartiers « cousins ».

Matteo Pellegrinuzzi, photographe italien basé à Paris et Alexandra Maruri, guide touristique et fondatrice de la société Bronx Historical Tours basé à New York et qui travaille chaque jour à la réhabilitation de l’image du Bronx, ont uni leurs talents pour porter ce projet depuis 5 ans.

Matteo Pellegrinuzzi, né en Italie en 1980, manipule des appareils photos depuis son enfance, mais c’est au cours de ses études universitaires que la photo devient sa passion et son métier comme il l’affirme : “Depuis plusieurs années ma narration photographique s’intéresse aux gens et à leur rapport avec les lieux afin de témoigner de réalités actuelles qui pourraient être un jour oubliées. Les moyens utilisés sont le portrait et le reportage, souvent réalisés en argentique moyen ou grand format. Cela me permet de figer un instant, une émotion, un endroit, qui devient ainsi presque unique.

Matteo Pellegrinuzzi présente son exposition

Photo par : Janet Jimenez du Bronx Terminal Market

Dans ce contexte, il y a 5 ans naît le projet The Bronx-La Villette. Alexandra Maruri, une guide touristique du Bronx, m’a fait découvrir le South Bronx et j’en ai retrouvé immédiatement les analogies avec La Villette, mon quartier parisien. C’est à ce moment là qu’elle m’a proposé de créer ce projet. Depuis, je mène une enquête sur ces deux lieux, qui, malgré leur passé difficile, vivent aujourd’hui un moment de grand changement. A travers mes portraits, j’ai essayé de restituer les différences et similitudes de ces deux endroits et de leur redonner la dignité qu’ils méritent. Fort du succès rencontré et après plusieurs expositions à Paris et à New York, ce projet continue encore aujourd’hui son voyage”.

Alexandra Maruri, fondatrice de Bronx Historical Tours explique : “L’un des principaux objectifs du projet était de mettre en avant la dimension humaine et communautaire de ces deux parties différentes du monde, ces endroits uniques à la fois confrontés à l’adversité, aux défis et à l’évolution. Les sujets ont été soigneusement choisis pour mettre en valeur la communauté locale, les gens du quotidien qui vivent dans le Bronx et à la Villette, des zones ouvrières très dynamiques avec des liens communautaires forts. C’est l’occasion de rapprocher les voisins transatlantiques !”

Alaxandra Maruri Awarded by the Bronx borough

Alexandra Maruri a gagné le Prix de reconnaissance 2019 : elle a reçu une reconnaissance de la part de M. Gale A. Brewer, Présidente du Manhattan Borough pour son travail dans la préservation et l’histoire. Elle a été choisie dans l’esprit de George Mcaneny.

“The Bronx-La Villette” Projet Exposition retournera au Bronx, New York en 2020 !

Remerciements 

Merci à la Bibliothèque Claude Lévi Strauss de Paris, La Mairie de Paris, Sara Grimaldi, organisatrice de l’exposition à Paris, Janet Jimenez du Bronx Terminal Market, Idelsa Mendez, Hostos Community College. Et surtout merci beaucoup à tous ces incroyables personnes du Bronx et de La Villette qui ont participé et inspiré ce projet. 

The Bronx-La Villette Projet Exposition @Bibliothèque Claude Lévi-Strauss @41 Avenue de Flandre, 75019 Paris (Métro Stalingrad ou Riquet)

Discovering Shang Yang, a pioneer of Chinese contemporary art at his first solo exhibition in NY

Capture d_écran Shang Yang's painting

By: Carolina Niso

From mid-September until mid-November 2018 the Chambers Fine Art is presenting the work of Shang Yang, a very well-known Chinese artist recognized throughout Asia whose work is relatively unknown abroad. This first solo exhibition is composed of two parts: one in Chelsey at the Gallery and the other one at ArtFarm in Salt Point, NY. Both are united thematically but are different in approach.

Born in 1942 in Hubei province, China, Shang Yang was nearly forty years old when he first won wide acclaim with the painting Boatmen of the Yellow River that he had submitted for his postgraduate degree at the Hubei Academy of Fine Arts, Wuhan.

At the beginning of his artistic path he trained in Social Realism, a prominent academic artistic movement during the time China maintained close relations with Russia. In fact, some of the Chinese artists of his time, including Shang Yang, travelled to study in Moscow. When he abandoned this style, China was opened to the West and other parts of the world.

Mr. Daniel Chen, the Director of Chambers Fine Art in New York, is proud to introduce this emblematic Chinese artist: “He focuses on landscapes. The earth is a living breathing thing, and he is very concerned with the environment. He is one of the very first artists in China who moved from abstraction to mixed media. In terms of contemporary art, he is a pioneer. Through the canvas of Shang Yang’s work, we want to show the NY public this incredible path and dialog. The message that he transmits to the spectator is not political or against the government; however, he criticizes what is happening in China in regard to the speed of the development and the degradation of the environment. He thinks it’s becoming very dangerous for the entire country. He passionately expresses this in his art,” affirmed Mr. Chen.

Capture d_écran Shang Yang's exhibit and public

“When you look at his paintings, it looks like a photo that has been printed on one section of the canvas. He then paints over it creating an image that is related to the environment. He uses the canvas as a medium to express respect for the Earth, for land and for the environment. The result is a physical demonstration of environmental degradation,” analyzed Mr. Chen.

As in some previous interviews, Mr. Shang Yang expressed in his own words “I am absolutely pessimistic. There is a wide-spread recognition that global warming is undeniable.” This belief is what motivated the creation of his artwork.

Other Chinese artists getting international recognition took him as their inspiration. Sometimes in fact, he was their teacher. After 1981 Shang Yang’s career followed an unusual course as he committed himself to teaching but also to his art. He distinguished himself by the development of a highly individual artistic practice that continues to surprise. His professional accomplishments have been recognized by numerous awards.

Capture d_écran Shang Yang's white painting

John Tancock, the curator of the Chambers Fine Art, explained that three years ago he was not really familiar with his work: “I went to an exhibition in Beijing and I saw some of these fantastic larges paintings and I thought, who is this person? So, I decided to do some research and go to meet him. I had a number of interviews and became convinced that his work would appeal to an international audience. He is a wise man: he thinks the artist plays a very important role in society and he draws to get the attention of people who see in his paintings the current major, social and ecological problems”.

As a result, he is very respected in China by his peers and also by a much younger generation of artists. The current exhibition of Shang Yang shows his most recent paintings and installations. The fully illustrated catalog that accompanies the exhibit contains essays by John Tancock and Wang Min’an which provide essential background for an understanding of his work.

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Photo by Chambers Fine Art

The Salt Point exhibition is by appointment only, please contact the gallery at 212-414-1169 or cfa@chambersfineart.com

 

Las tormentas de Charlotte

Charlotte Gainsbourg, hija del cantautor francés Serge Gainsburg y de la modelo Jane Birkin, ganó este año el Premio a la mejor Artista Femenina de la Música en Francia. Sin embargo, más allá de sus álbumes musicales, es también una de las más célebres actrices francesas de nuestros tiempos, con cincuenta y cinco películas producidas en su país y fuera de él. Recordada por su papel enNinfómana–dirigida por el danés Lars Von Trier, donde interpreta a una mujer adicta al sexo–, su vida en realidad dista de los personajes atormentados que suele interpretar. Al contrario, es sencilla, dulce y tímida.

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Por: Carolina Niso

Charlotte tenía solo 12 años cuando Serge Gainsbourg, su padre, le preguntó a su ex esposa si podría cantar con su hija Lemon Incest (Incesto limón), una canción que aún hoy sigue causando estupor por la manera como, en el video, presentó la provocativa relación entre padre e hija.

Acostumbrado a cantar con las mujeres más importantes de su vida, entre ellas Jane Birkin y su segunda esposa, Bambou, al viejo Gainsbourg le pareció absolutamente natural hacer algo “artístico” con la niña que, obviamente, fue interpretado por la crítica como una alusión directa al incesto. Fue así como el polémico y genialcantante, compositor, actor y director de cine francés, le abrió las puertas a su hija en la escena musical y en el mundo artístico.

Desde entonces, todo ha sido cambios y revoluciones en la vida de Charlotte. Un año después, cuando sólo tenía 13 años, la famosa actriz Catherine Deneuve la propuso para la película Paroles et musiquedel director francés Élie Chouraqui. Había dos papeles infantiles. Su madre Jane decidió dejarle una nota que decía: “Están buscando una niña de tu edad, si quieres ve a esta dirección”. Charlotte decidió intentarlo y fue sola. Presentó diferentes pruebas con otras niñas de su edad. Deseaba ganar porque era una cuestión de orgullo. Al final obtuvo el papel y esa fue la primera victoria de su vida.

A sus 14, Claude Miller le ofreció un rol enL’Effrontée, actuación que le valió un César en 1985. Desde entonces, ha sido nominada y recompensada con premios y aplausos de la crítica, siendo la trilogía de Lars Von Trier la que le ha dado la mayor satisfacción profesional y reconocimiento: Anticristo, Melancolíay Ninfómana, esta última, con la cual obtuvo el premio a mejor actriz europea.

Y del cine a la música y de la música al cine. Por eso, ella se confiesa: “Sentimos que tenemos más derecho a hacer algo cuando hemos luchado por ello. Por eso a veces es complicado sentirme legítima en la música o en el cine. Era demasiado fácil continuar haciendo películas y música, porque me lo ha ofrecido la vida. Así que espero que el hecho de haber continuado hasta ahora, no haya sido solo suerte”.

Su más reciente álbum musical Restes una catarsis. Un disco donde ella hace un homenaje a su padre, su hermana y sus hijos. El premio a la Mejor Artista Femenina en las Victorias de la Música 2018, que acaba de conseguir, es un homenaje a su familia. Hace unos años, la muerte temprana de su hermana, la fotógrafa Kate Barry, la primera hija de su madre Jane Birkin y el compositor británico John Barry, le cambió la vida para siempre. Por eso Charlotte quiso hablar de los suyos en los textos de las canciones que escribió para el disco.

La agitada vida de Charlotte Gainsbourg, una mujer delgada, de rostro fuerte y agudo (que tantas veces ha explotado la firma Saint Laurent), transcurre entre Paris y Nueva York. Fue precisamente la desaparición de su hermana Kate la que la llevó a buscar un escape a su dolor en “la gran manzana”. Allí disfruta del anonimato, una ciudad donde puede estar con sus hijos, donde sale a cenar sin problemas y donde, si la ven empapada por la lluvia, poco le importa.

En París vive su compañero y padre de sus tres hijos, el también actor y director francés Yvan Attal, a quien conoció hace veintisiete años después de la muerte de su padre Serge Gainsbourg. A pesar de la distancia, sostienen una sana relación sentimental y artística –han realizado varias películas juntos– al punto que constituyen una de las parejas más queridas del cine francés.

Charlotte es una mujer sencilla, tímida, dulce, natural, sin maquillaje, que ama vestirse de jeans y que ríe espontáneamente en medio de nuestra conversación. Una artista sincera, eso sí.

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Photo by Collier Schorr

 

Ninfómana, de Lars Von Trier, es sin duda la película por la que más se le recuerda. ¿Cuál es la historia más fuerte que recuerda de ese rodaje que cualquiera imagina complicado?

Me sentía avergonzada físicamente porque mi hija acababa de nacer y yo grababa mientras estaba amamantando y por lo general soy plana. Allí tenía senos y me daba vergüenza porque no eran mis formas originales. Recuerdo a Jeremy Bell, este actor increíble en la escena sadomasoquista, que dijo en una entrevista que yo no era muy amable, ni muy abierta. Y es cierto: no podía ni mirarlo a los ojos. Es que hubo tal situación de sumisión, y estaba tan avergonzada, que no podía tener ninguna relación con él fuera del rodaje. Fue complicado no tener demasiada complicidad, excepto una verdadera química en el momento de grabar. Fue muy fuerte.

Y de toda la película, ¿cuál fue la escena más difícil?

Las escenas de conversación con el actor que interpretó a Seligman, el sueco Stellan Skarsgård. Con él hicimos estas escenas durante quizás una semana. Al final del rodaje, teníamos tanto texto que tuvimos que ponerlo delante de nosotros. Era imposible aprender todo eso. Con él tuve una gran complicidad porque estábamos en la misma dificultad. Era como una obra de teatro frente a la cámara. Estábamos en una pequeña habitación y teníamos que pasar toda esta información, de modo que incluso para Lars era muy complicado saber cómo filmarnos.

¿Cómo logró ponerse en el lugar de una mujer adicta al sexo?

Tuve el escenario con suficiente antelación para prepararme. Fue precisamente mi coachquien habló con una ninfómana que estaba sufriendo. Yo imaginaba que una ninfómana era la historia de alguien que buscaba el placer, pero en realidad es todo lo contrario, es un dolor de todas las maneras posibles.

¿Cómo se prepara para hacer sus roles y cómo logra separar su vida personal del personaje?

Me encantan los personajes completamente diferentes. El desafío es transformarme en alguien que no soy. Yo soy tímida y tengo una vida tranquila, pero cuando veo la parte oscura de estos personajes me convierto en otra persona. Primero, debo estar interesada en el proyecto y en el personaje para querer interpretarlo. Incluso el rol de una ninfómana, adicta al sexo, era yo. No lo soy por supuesto, pero con Lars tienes que estar realmente allí y debes poder hacerlo. Él necesita creerlo.

Recientemente usted compartió escena con Marion Cotillard en la película Los fantasmas de Ismael. Dos celebridades de una misma generación…

Es una actriz a la que admiro. Nunca me encuentro con actores o actrices fuera del set. Recuerdo haber visto la película La vie en rosey luego, al encontramos por azar en un concierto, aún sin conocernos, pude felicitarla por ese papel. Después, durante el rodaje de la película, fue un verdadero descubrimiento y un placer ser cómplices, porque es cierto que somos casi de la misma generación y tenemos mucho que compartir.

¿Cómo fue la experiencia de trabajar con Jim Carrey en la película polaca americana Dark crimes?

Él es alguien muy particular. Aproveché esta relación con un artista realmente único. Su carrera es increíble. Sabíamos que no era un tema nuevo porque es un actor dramático. Tiene un espectro para actuar que es una locura. Mi película favorita que he visto de él es Eternal sunshine of spotless mind, donde precisamente vemos la inmensidad del actor porque hay un lado trágico dramático y al mismo tiempo está la locura y la comedia. Es realmente un actor excepcional. En Dark Crimesél es un detective que busca resolver un crimen.

¿Qué película le ha dado más satisfacción a nivel profesional y artístico hasta la fecha?

Las películas de Lars Von Trier, sin dudarlo. No sé cuál de las tres, porque la primera, Anticristofue el descubrimiento. La segunda, Melancolíapara mí es la película más bella. Y la tercera, Ninfómana, ha sido como un amor verdadero. Él confió en mí por tercera vez. Fue la confirmación, algo muy satisfactorio.

¿Cómo ha sido la experiencia de trabajar en Hollywood?

Aquí me emociono luchando por un papel. Cuando estás en Estados Unidos, tienes que pelear. No soy yo quien elige. A finales de este año saldré en una película de ciencia ficción americana que se llama I think we are alone now[Creo que ahora estamos solos].Tengo un papel muy pequeño, solo rodé dos días pero fue una gran oportunidad poder trabajar con la directora Reed Morano.

¿Qué piensa de la situación de las mujeres en la industria del cine y del movimiento “Yo también” [Me too]?

Es complicado porque el movimiento ha evolucionado. Al principio fue una crisis y escuchábamos cosas extremas. En Estados Unidos parecía que era como una venganza. No podía creer cuando un periodista danés me llamó de inmediato y me preguntó: “¿Lars Von Trier se portó mal con usted?”. Lo encontré tan exagerado, en realidad, porque como francesa, en mi cultura, tal vez no es tan embarazoso que te coqueteen, ni tan vergonzoso que las palabras no sean correctas. Sin embargo, debemos vivir en un tiempo y entender que esas palabras o actos pueden dañar a las mujeres. Y luego me di cuenta que este movimiento es bueno y justificado. Escuché todos los mensajes y tuve que educarme a mí misma a través de mi hija de 15 años que entendió el discurso primero que yo. Esto nos abre los ojos a todos, las cosas están cambiando, hay que perseguir la igualdad, por ejemplo, no es para nada normal que no nos paguen lo mismo.

Volviendo a la música, ¿qué significó para usted el premio a Mejor Artista Femenina en las Victorias de la Música 2018?

Es muy importante porque no me lo esperaba. Escuché: “Vas a ser nominada”, pero yo pensaba que era el álbum y luego como esto tardó, me dije: “no es verdad” y después el hecho de que fuera como artista, fue sorprendente para mí. Siempre me ha costado considerarme como cantante porque no tengo una voz de cantante y siempre me he dicho: “¿Verdaderamente tengo un lugar en la música?”. Tenía mi lugar gracias a mi padre y después gracias al dúo de música electrónica francesa Airy a Beckcon quienes hice unos álbumes previos. Esta vez fue con SebastiAn, un productor de música electrónica francés y por primera vez tuve la impresión de ir adelante. Haber sido recompensada por esto, es enorme. Estoy orgullosa. Le dediqué este momento a mi familia.

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Rest Cover Album

 Restes una catarsis para usted.

Así es, la muerte repentina de mi hermana me dio una vuelta. Yo tenía a mi hermana en la cabeza todo el tiempo y quería hablar de ella. Había comenzado a escribir textos y esto giraba también alrededor de mi padre, que había muerto antes. Necesitaba hablar, sentía placer de escribir aun cuando jamás estuve segura de si era lo suficientemente buena. Me juzgaba mucho y es verdad que cuando tuve que sufrir ese drama, pensé que era tan fuerte que no tenía importancia si el texto era bueno o no. Dejé de juzgarme. Y dejé de lado la pregunta constante: “¿Acaso es lo bastante bueno como lo que haría mi padre?”. Todos esos juicios que me bloqueaban hasta entonces, desaparecieron.

¿Por qué escribió las canciones en francés y en inglés en este último álbum?

No intenté evitar el francés o tratar de escribir en inglés. Por fin, me abandoné a lo que venía y fluyó más fácilmente en francés. Tengo la impresión de que el lenguaje de la verdad es el francés y el lenguaje de la música y del ritmo, es el inglés.

¿Por qué invitó a sus hijos Ben de 20 años, Alice de 15 y Joe de 6 a hacer parte de los vídeos clips de su último álbum?

Creo que el hecho de haber participado en películas y en la música muy joven, son testimonios de vida, como instantes en un álbum de fotos. Fue una suerte increíble haber comenzado a cantar con mi padre, por eso cuando quise hacer los clips de mi álbum, me parecía evidente hacerlo con mis niños.

¿Cree que uno de ellos seguirá el camino del arte?

No sé. Pienso que es complicado para ellos. Yo tuve la suerte de no hacerme preguntas, tenía 12 años y me metieron al medio porque yo lo deseaba, era natural. Mis niños todavía son jóvenes. Mi hijo tuvo tiempo de plantearse preguntas y pienso que mis hijas también lo harán. Creo que tienen ganas pero van a mirar otras cosas.

¿Qué influencias musicales tuvo gracias a sus padres?

Elvis Presley, Bach, Chopin las variaciones Goldberg de Bach que inspiraban mucho a mi padre. De mi madre recuerdo siempre verla en nuestra casa de campo, escuchando a Georges Brassens, muy francés, música textual en realidad.

Por cierto, ¿cómo vivió su niñez en medio de la celebridad de sus padres?

Tuve una infancia completamente normal junto a mis padres. No tenía la impresión de estar en un medio artístico o algo increíble. No, era natural. Recuerdo a mi padre trabajar por la noche escribiendo mucho al último momento los textos, pero cuando grababa, no lo veíamos porque era en el estudio. En la casa tenía un gran salón con un piano de cola, donde no teníamos el derecho de estar. Fue mucho más tarde, cuando mis padres se separaron, que tuve la impresión de participar más en lo que hacían ellos.

¿Y en qué momento supo que sería actriz?

No siento que haya habido un momento en particular donde haya dicho: “este es mi camino”. De hecho, realmente no sé cómo considerarme a mí misma. Sé que soy actriz porque hago películas. Creo que es más el lado voluntario de sentirme realmente capaz de asumir un rol.

¿Podría definir su estilo de música?

Tenía ganas de hacer música electrónica, así que gracias a SebastiAn, pude probar un sonido nuevo. Tenía una lista de música que me inspiraba de películas de terror, muy dramática, como la música de la película Tiburónde Steven Spielberg, Rebeccade Hitchcok, o la película Shining de Stanley Kubrick, que es una música de cine muy pesada y se la di a SebastiAn, diciendo: “Si pudiéramos hacerlo de esta manera, me gustaría mucho”. Y a él le gustó. Tengo la colaboración de Paul Mc Cartney quien escribió una canción que después se transformó para adaptarla al estilo del álbum. También Guy-Manuel de Homem-Christo, de Daft Punk, contribuyó con una parte de música electrónica que encajó bien. Así que con la colaboración de artistas cambiamos mucho musicalmente lo que había al inicio.

¿Cuáles son los otros proyectos profesionales que tiene para el futuro cercano?

Los conciertos. Hay muchos festivales. Será un nuevo camino porque realmente descubro la escena. De hecho, ya hice dos giras, pero esta es la primera vez que defiendo un álbum que está tan cerca de mi corazón.

¿Por qué escogió la ciudad de Nueva York para cambiar su vida?

Todo está lleno de circunstancias extrañas. Con Yvan siempre nos dijimos que queríamos instalarnos en los Estados Unidos posiblemente por un año. Nos preguntábamos si Los Ángeles o Nueva York. Esto fue hace más de diez años. Habíamos hecho las gestiones en el colegio para los niños y luego nos dijimos que no teníamos el coraje. Y después de la muerte de Kate, era un escape. No busqué un país o una ciudad, era una huida, la más práctica de hecho. Los Ángeles era demasiado lejos y no la conozco muy bien. Europa era demasiado cerca y necesitaba un verdadero cambio. Nueva York era una experiencia que había que hacer, porque es una ciudad fascinante y es evidente tener ganas de vivir esto una vez en la vida. Luego me di cuenta de que la sola afinidad que tenía con esta ciudad todavía era a través de mi hermana Kate, ella venía todo el tiempo a ver a su padre, y cada vez que yo venía lo saludaba. Es otro lazo con ella y no lo pensé hasta que me di cuenta estando aquí.

¿Es verdad que usted quiere crear un museo en la residencia de su padre en la calle Verneuil en París?

Recientemente hice una entrevista, creo que para el diario El Parisino, donde hablé de esto y ahora el gobierno y la ciudad de París se comprometerán a ayudarme. Compré la casa hace 27 años porque mi hermanito medio era demasiado pequeño y mis mediohermanos mayores, Natasha y Paul, no estaban interesados en ese momento, así que lo hice por mi lado. Pero si eventualmente quieren unirse al proyecto, sería un placer. Ahora quiero comprar el apartamento de al lado porque la casa en sí es muy pequeña para poder reunir todo y hacer posible que lo visiten. Es un proyecto completo para montar.

Usted ha sido la imagen de diferentes marcas francesasentre ellas Saint Laurent. ¿Cómo se siente en el mundo de la moda?

Pasar de algo popular a algo muy chic y de alta gama y poder tener ambas caras es un placer. Pero, en realidad, lo que me gusta es el hecho de no saber demasiado, de no ir a todos los desfiles. Me atrae la estética, pero también me gusta ser libre. Lo que si me apasionan son los jeans. Tal vez algún día pueda hacer algo como diseñadora porque en ellos hay poesía, entre más viejos son, muestran más las marcas del tiempo. Los jeans son hermosos y únicos.

¿Cuál era su sueño cuando era niña?

Un sueño que tenía como muchos niños con padres separados es que los padres vuelven a estar juntos. Es un sueño real y muy ingenuo que los niños tienen. Entonces fantaseé con la reagrupación de mis padres durante mucho tiempo.

¿Cuál es su sueño por cumplir ahora?

Me gustaría frenar el tiempo porque es complicado con la profesión de actriz, cantante y modelo de envejecer. Quiero asumir mi edad y, al mismo tiempo, quiero disfrutar tanto como sea posible el mayor tiempo posible. Es difícil asumir la imagen de uno porque vivimos precisamente retocando fotos, eliminando las marcas del tiempo y cuando de repente, vemos una imagen donde se ve la edad que tenemos, no lo aceptamos. No tengo Snapchatni Instagram, no entiendo esta relación con las fotos, con los selfies, con uno mismo. No comprendo y sin embargo, hago un trabajo en el que estamos en el ego, en la autoimagen. Y a veces me dicen: “¿por qué haces este trabajo si no quieres verte en una película?”. Es verdad que es una contradicción real el placer de estar en una cosa falsa, que es imaginaria porque no estoy en la realidad. Por eso en mi vida privada me divierto al guardar una imagen secreta.

¿En qué radica el éxito de su amor con Yvan?

Creo que es el riesgo, pero no es la clave del éxito, porque nunca estamos seguros. A Yvan lo conocí cuando tenía 18 y viví con él a los 19 años. Hoy me doy cuenta que era muy joven. Crecimos juntos. Tengo 47 años, espero que estemos juntos por mucho más tiempo. Él es un poco mayor que yo, siempre ha estado un paso adelante de mí.

¿Cómo maneja la vida familiar entre viajes?

No es fácil. Tenemos un hijo de 20 años, Ben, que vive independiente. Después, nuestra hija de 15 años y mi niña de 6 años, que no pueden irse conmigo a los rodajes porque estudian aquí. Yvan estaba en una obra de teatro en París, pero por exceso de fatiga debió parar y quedarse en Francia. Nunca he sacrificado un proyecto, quiero hacer las películas y los conciertos, y sé que dejo solas a mis hijas. No estoy segura de hacerlo bien, pero precisamente como mujer, y a mi edad, me digo que es ahora o nunca. Debo aprovechar los años de trabajo que tengo por delante.

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Photo by Amy Troost

Destacados:

  • “Recuerdo a Jeremy Bell, este actor increíble en la escena sadomasoquista, que dijo en una entrevista que yo no era muy amable, ni muy abierta. Y es cierto: no podía ni mirarlo a los ojos. Es que hubo tal situación de sumisión, y estaba tan avergonzada, que no podía tener ninguna relación con él fuera del rodaje”.
  • “Yo imaginaba que una ninfómana era la historia de alguien que buscaba el placer, pero en realidad es todo lo contrario, es un dolor de todas las maneras posibles”.
  • “Siempre me ha costado considerarme como cantante porque no tengo una voz de cantante y siempre me he dicho: “¿Verdaderamente tengo un lugar en la música?”.

Entrevista publicada en la Revista BOCAS El Tiempo edición #78 septiembre 2018 

El tercer archivo audiovisual más grande del mundo

Vista Torres BnF

Photo archive BnF

Por: Carolina Niso

Entre cuatro torres de vidrio y acero de ochenta metros de altura cada una: la Torre de los Tiempos, la Torre de las Leyes, la Torre de los Números y la Torre de las Letras que simbolizan cuatro libros abiertos se encuentra una de las joyas urbanísticas más importantes de París: La Biblioteca François-Mitterrand, del arquitecto Dominique Perrault, que conserva catorce millones de libros y de revistas, manuscritos, planos, partituras, monedas, medallas, enciclopedias intelectuales, artísticas y científicas y entre todos estos tesoros, está el tercer archivo audiovisual más grande del mundo después de la Biblioteca del Congreso en Washington y el de la British Library en Londres.

El origen del departamento audiovisual se remonta a los Archivos de la Palabra, creados en 1911 por el lingüista Ferdinand Brunot, quien grababa a las personas del común recitando textos o cantando. Posteriormente, se convertiría en el Museo de la Palabra y el Gesto. Después se ampliaría a la edición fonográfica (registros sonoros en un soporte que permiten su reproducción) y recibiría el primer depósito legal justo antes de comenzar la Segunda Guerra Mundial. Luego registrarían las conferencias y discursos de personajes conocidos, voces célebres como el poeta Guilleaum Apollinaire, personajes políticos, artistas, entre otros. Sería conocido después como la Fonoteca Nacional y con la llegada del disco, el cassette, el video, el CD, el DVD y la multimedia pasaría finalmente a ser el Departamento Audiovisual de la Biblioteca Nacional (BnF por sus siglas en francés).

Ferdinand Brunot sa femme et Charles Bruneau BnF

Ferdinand Brunot, su esposa y Charles Bruneau, photo archive BnF

El archivo está distribuido en tres sitios: una extensa colección está en la Biblioteca François Mitterrand al sur de París en el barrio Tolbiac; en Richelieu está el departamento de música, de estampas y de fotografías; y en Bussy-Saint-Georges cerca a Disney se conservan los ejemplares, pero no hay acceso al público.  De 2500 personas que trabajan en la Biblioteca, hay 130 en el área audiovisual. Entre ellos Pascal y Bertrand.

Descubriendo el archivo

Pascal Cordereix, hace parte de la generación de la «Contra cultura», aquella que a través de la música y el arte cuestionaba a la sociedad y los valores establecidos. Aquel joven proveniente de la región de la Jura en la frontera entre Suiza y Francia, y que tocaba la guitarra como hobby con un grupo de amigos, con el tiempo, después de haber trabajado en una biblioteca municipal y de haber pasado el concurso de Curador, se convertiría en el director de Servicio de Documentos Sonoros cuando abrieron la Biblioteca Nacional François Mitterrand, logrando el sueño de dedicarse al Departamento Audiovisual, que para él, contiene las más hermosas colecciones de Francia.

Por otro lado, Bertrand Bonnieux proveniente de Versailles, quien de niño era curioso y se paseaba visitando las tiendas de música, aunque no tenía dinero para comprarlo todo, escribía todo lo que encontraba. Cómo sus padres no podían pagarle un curso para ser músico, un día a los doce años entró en una cabina de la calle, parecida a las que hoy en día sirven para tomarse fotos. Allí durante tres minutos, se inventó una canción acompañado de unas castañuelas que había comprado en España y grabó un disco. Al recordarlo, hace con humor un paralelo con Elvis Presley quien se grabó por primera vez en una de estas cabinas para cantarle el cumpleaños a su madre.

Bertrand quien finalmente estudió literatura y se especializó en música, conocería a Pascal mientras trabajaba en la Alcaldía de París sin imaginar que, unos años después, Pascal le propondría ser el encargado de los archivos sonoros contemporáneos de la BnF. Ya llevan veinte años en equipo conservando las joyas del departamento audiovisual.

Durante todo este tiempo de amistad y trabajo, a cada uno lo ha marcado su propia experiencia. Pascal siente que uno de los momentos más emotivos es cuando las personas escuchan los archivos de las palabras. Hay una historia en particular que siempre recuerda, la voz que pusieron en línea de un señor de principios del siglo XX y su tataranieto los contactó para decirles que había escuchado por primera vez la voz de su tatarabuelo que había muerto en la Primera Guerra Mundial.

Sin embargo, la joya del archivo más especial para Pascal es un cilindro (soporte sonoro inventado a finales del siglo XIX) del investigador francés helenista Hubert Pernot quien en 1918 grabó melodías y cuentos griegos que se creía se habían perdido. Fue hasta 2011 que Pascal y su equipo lo encontraron en cartones en un sótano en el Departamento de musicología de la Universidad la Sorbone. Para él, este es uno de los grandes descubrimientos que han hecho. Se puede escuchar y hay melodías preciosas. Tal vez no sea la colección de más valor del archivo, pero ese recorrido histórico hace que sea tan especial.

En el caso de Bertrand, recuerda que aprendió a descubrir la BnF a través de códigos de color. Se demoró seis meses en conocerla completa. Cada torre tiene ventidós pisos y hay depósitos de las colecciones en el sótano. En total hay más de quince millones de documentos. “Se aprende cada día en el trabajo. Ser bibliotecario significa ser curioso, ir a las cajas y buscar, mirar que hay al lado y encontrar siempre que hay otros discos y otras grabaciones interesantes. Es una búsqueda modesta entre millones de documentos y encontrar alrededor o a veces en la misma caja, una referencia importante. La clave es anotarla y guardarla en un cuaderno que llevo conmigo”.

Por ejemplo, uno de los momentos más significativos que guarda en su memoria, es cuando el cineasta portugués Manoel de Oliveira lo contactó para hacer una investigación. De Oliveira había adaptado una novela que sucedía en Francia y necesitaba encontrar una canción de un artista francés de principios del siglo XX que se llamaba Aristide Bruant. “Fue una investigación muy difícil porque no encontraba nada y lo encontré el último día que De Oliveira se iba de vacaciones. Algunos meses después, fui a ver la película y me emocionó mucho escuchar la canción y que él me agradeciera en público”, comenta Bertrand.

La relación entre Pascal y Bertrand es complementaria, cada uno tiene su ámbito de competencia, tienen además los mismos valores, son de generaciones cercanas, los aburre la jerarquía, pero los apasiona la música y hablar de temas en común como el rock.

A unas pocas semanas de la muerte del gran ídolo francés Johnny Halliday, estos dos amigos, recuerdan el libro que escribieron en colaboración con Elizabeth Giuliani y la BnF, «Cien años de la música francesa». Allí Johnny, como otros grandes artistas de su época, están presentes.

 

Pascal Cordereix y Bertrand Bonnieux BnF

Pascal Cordereix y Bertrand Bonnieux, photo de Paul Durel, BnF

Las colecciones del archivo

El Departamento Audiovisual conserva los documentos sonoros (archivos de las palabras, discos), vídeos (cassette y DVD) y documentos multimedia (programas informáticos y video juegos). A parte del archivo, están: el INA, el departamento que se ocupa del depósito legal de la radio y la televisión en Francia. Y el Centro Nacional de Cinematografía (CNC por sus siglas en francés) que se ocupa del cine.

En total hay alrededor de un millón quinientos mil documentos. Todo se ha pasado a una versión digital pues el original queda en un lugar especial para su conservación. Así mismo posee una colección única de mil trescientos aparatos de grabación y lectura de documentos sonoros, vídeos y documentos multimedia. Las personas que vienen de todo el mundo consultan la versión digital y no el original a no ser que pidan una autorización especial.

El archivo se nutre del depósito legal, las donaciones y las adquisiciones. Entre los archivos curiosos hay unas grabaciones sobre la vida de los policías franceses de 1940 o la donación de un filósofo profesor universitario que antes de morir cedió los cassettes que sus estudiantes grababan durante sus clases.

Las colectas internacionales las hacen los investigadores del Centro Nacional de Investigación Científica (CNRS por sus siglas en francés), quienes graban por todo el mundo las novedades y cuando regresan dejan una copia en el archivo y la otra se queda con ellos. Eso hace que sea un fondo muy rico en etno musicología.

En el Departamento de Videos existe el mismo principio de depósito legal, tanto de películas de ficción como documentales y hay un presupuesto para las adquisiciones. Compran la producción extranjera para tener videos de todos los países del mundo.

Latinoamérica y Colombia

Dentro de la colección de América Latina aún queda mucho por hacer. Hay una colección importante de Brasil, México y Argentina, pero de Colombia y el resto de los países latinos no hay mucho. Los artistas colombianos que más han penetrado el mercado galo son Yuri Buenaventura, Toto la Momposina o Sebastian Rocca, entre otros. Actualmente hay un interés particular por la música y el cine de Colombia, por eso Bertrand y Pascal invitan a todos los artistas colombianos que lo deseen a acercarse a la Biblioteca y dejar un ejemplar en la BnF para el archivo.

Bertrand y Pascal, ¿cuál es su lugar favorito del archivo?

Bertrand quien llegó a la BnF cuando tenía 39 años, se pensiona este año. “Mi lugar preferido es sin lugar a dudas donde conservamos los documentos en el sótano. A veces desciendo solo y podría tener miedo porque hace frío y está vacío, pero allí está mi felicidad. Cuando pienso qué me hará falta, a parte de algunos colegas, creo que lo más difícil para mí, será no poder bajar a ver las colecciones. Deberé ser bueno con mis colegas para que me dejen entrar al sótano sin que nadie me vea”, afirma con esa sonrisa tímida que lo caracteriza.

Por su lado, Pascal después de 20 años. “No podría decir cuál es mi lugar preferido de la Biblioteca, pero la noche cuando salgo de ella y camino sobre la explanada me parece espectacular. Creo que a esa hora este lugar muestra su importancia y belleza estética. Además, sin el ruido del día y el jardín, sus cuatro torres con esa iluminación, todo junto hace de este sitio un lugar único en París. Es un edificio que toca lo íntimo. Y es en la noche que se siente esa intimidad”.

Jardin interno y torres BnF

Información adicional

El archivo en línea

Gallica http://www.gallica.bnf.fr

Es un catálogo general de búsqueda en línea. Se entra a través de la página de la biblioteca y hay alrededor de quince millones de documentos de los cuales solo se puede escuchar 30 segundos de cada grabación. En la biblioteca se puede escuchar completo en Gallica intramuros.

Europeana Sounds

Es un consorcio europeo que lleva menos de diez años en colaboración con doce países de la Unión Europea y el Reino Unido, en total hay 24 organizaciones. Aquí cada país del consorcio puede incluir todo lo que desea y es de acceso libre para todos. El catálogo que está en inglés incluye música, archivos sonoros de todo tipo, desde sonidos de pájaros y animales como de personas hasta programas de radio y bibliotecas.

Artículo publicado en el periódico El Tiempo el 11 de abril 2018 versión impresa

Art publicado El tercer archivo audiovisual mas grande del mundo

Versión digital: http://m.eltiempo.com/cultura/musica-y-libros/biblioteca-francois-mitterrand-el-tercer-archivo-audiovisual-mas-grande-del-mundo-203956

Nueva opción en el mundo de las artes

Foto 1 Revista CSV

Por: Carolina Niso, Periodista y Manager de Proyectos Culturales

Revista: Con Sentido Vital

Fotografías: Manuel Valle Maquillaje y Peinado: Rychy-Full   Accesorios: Hecho en Turquía

Hija de un pintor, tuve la oportunidad de sensibilizarme con la belleza del color y las formas desde pequeña y luego al tomar la decisión de cual sería mi camino, me decidí por las letras. Desde un principio, el periodismo enfocado a la educación y la cultura ha sido mi vocación.

Tal vez por ese amor y compromiso que sentí desde niña con los artistas, decidí hace 14 años empezar a representar a mi padre. Sin tener experiencia en el mundo del mercado del arte, realicé su primera exposición internacional en el Consulado colombiano de Nueva York y luego continué exponiendo su arte en París. La vida me permitió hacerlo y darle una gran satisfacción antes de morir hace 8 años. Así comenzó un camino que me ha llevado a conocer a otros artistas y a involucrarme con sus proyectos artísticos.

Al decidir complementar mis estudios realizando un curso en Francia de Management de Proyectos Culturales, me demostró la necesidad que existe de que los artistas se proyecten con sus obras pues los esfuerzos son muchos y debe haber una planeación a largo plazo donde la creación se una a las palabras, y pueda convertirse en ideas itinerantes para diferentes públicos, espacios o ciudades.

Foto 3 Revista CSV

Renovando la cultura

Colombia actualmente está viviendo grandes cambios. El paisaje socio político y económico del país también se ha diversificado y ha abierto las puertas a las nuevas tendencias artísticas tanto locales como internacionales. Las posibilidades son amplias y variadas, desde espacios alternativos para exposiciones de arte, como ferias incluyentes donde las propuestas atraen una gran variedad de gente.

Hace algunos años en el país era difícil imaginar proyectos culturales con estrategias económicas o metas a largo plazo. Hoy en día el panorama ha cambiado, y si hay un tema de actualidad que llama poderosamente la atención, es precisamente el de las artes y sus manifestaciones.

Ser Manager de Proyectos Culturales es una profesión poco conocida en Colombia, pero está consolidada en países de Europa y representa esta nueva dinámica que contribuye al crecimiento y expansión de los establecimientos culturales, las empresas, las colectividades territoriales, las agencias de comunicación y relaciones públicas, hoteles y entidades que desean apoyar el arte con una visión de promoción ciudadana.

El apoyo a la cultura es una apuesta donde deben ganar todos. Si las instituciones colaboran como patrocinadoras, los artistas en sus creaciones pueden sentir mas libertad para hacer obras que contribuyan al desarrollo económico y cultural de un territorio y ayudan también a la valorización del patrimonio artístico de un país.

Como ejemplo de esta renovación, en diciembre de 2016, se inauguró Colombia – Francia 2017. Desde el primer semestre de este año, el país galo está presente con diferentes eventos de teatro, artes visuales, música, conciertos y exposiciones en varias ciudades. Igualmente, Colombia será el país invitado de honor para el segundo semestre del año en Francia.

2017 es un año importante para la cultura y demuestra que al salir de una guerra de tantos años, las prioridades deben ser arte, salud, educación, deporte entre otras, porque todos ganamos en la medida que lo hagamos posible.

¡Creer es crear! De un encuentro casual entre el fotógrafo Christian Byfield y yo, nació el proyecto audiovisual y de turismo cultural llamado “Sonrisas de Colombia”, y gracias al apoyo de Procolombia, marca país, el grupo Accor y Sofitel, Air France KLM y Cargo presentaremos la muestra del 27 de junio al 7 de julio en el Consulado Colombiano y luego en el Hotel SOFITEL Arc de Triomphe en París del 2 de octubre al 30 de noviembre como parte de las actividades culturales del año “France – Colombie 2017”. Hacer realidad sueños es sonreírle al futuro.

Revista CSV

Artículo publicado en la Revista con Sentido Vital No 18, 1ro de junio 2017

Cuadro

Soy franco colombiana, periodista y manager de proyectos culturales, colaboro con reportajes para la Revista Bocas, El Tiempo y también en cultura y grandes reportajes del mismo diario. Así mismo he escrito para Las2orillas entre otros medios.

 

El biógrafo que desmitificó a Edith Piaf

Robert Belleret sorprendió a toda Francia al publicar una biografía que desmitificó a uno de sus grandes íconos nacionales: Edith Piaf. A partir de una cuidadosa investigación documental, este periodista empírico y exreportero y del diario Le Monde que recorrió Uganda, Pakistán e Iraq, logró demostrar que la grandeza de la cantante no solo se debía a su talento musical, sino también a su inteligencia, porque fue capaz de crear una historia propia. A sus 70 años, Belleret es un detective de vidas, un biógrafo que ha logrado desentrañar la historia grandes personajes para la vida cultural de Francia.

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Por: Carolina Niso

Robert Belleret se ha dedicado a observar de forma minuciosa, detallada y perfeccionista las vidas de grandes íconos populares de Francia, como la cantante Edith Piaf. Después de trabajar 38 años como periodista, él decidió convertirse en biógrafo por la fascinación que sentía de niño cuando leía las novelas policiacas de George Simenon y su personaje favorito, el inspector Maigret.

De ojos azules profundos, este antiguo gran reportero del diario Le Monde, cubrió desde la música y el cine, hasta crímenes y escándalos políticos y económicos. Su vida de corresponsal lo llevó a Iraq para cubrir la caída de Saddam Hussein, a Pakistán para informar sobre un terremoto que devastó a Islamabad, donde pasó tres días en medio del caos, y a Madrid para asistir a las elecciones presidenciales del 2004, que ocurrieron justo después de los atentados del 11-M, cuando varias bombas explotaron en el sistema de trenes de la capital de España. Allí, en medio de una manifestación de miles y miles de personas bajo una lluvia incesante, estuvo presente cuando en medio de los gritos de “¡Basta ya” ganó las elecciones José Luis Rodríguez Zapatero.

Ama hacer perfiles biográficos y descubrir los personajes. Entre los perfiles que hizo para Le Monde, se cuentan personalidades tan reconocidas como el actor Fabrice Luchini, la ex candidata presidencial Ségolène Royal, el chef Paul Bocuse y el gran diseñador de modas Karl Lagerfeld, entre otros.

Como es un apasionado de la música, después de retirarse del periodismo Belleret se ha dedicado a escribir biografías de grandes artistas franceses. En 2013 publicó el libro Piaf: un mythe francaise. Sin pensarlo reveló cada detalle de la vida íntima y artística de Edith Piaf y se dio cuenta que su grandeza no solo se debía a su talento sino también a su gran inteligencia. En el libro, Belleret reconstituye la globalidad de la vida y la carrera de la cantante para darle un verdadero lugar, tanto en la cumbre de su carrera como en los precipicios, pasiones, sufrimientos, hospitalizaciones y triunfos. Su vida es un libro, negro, cómico, aterrador y palpitante, a la vez sórdido y suntuoso. A partir de elementos nuevos, pistas, testimonios, documentos raros y archivos inéditos, el autor hizo una apuesta: que una vez libre de las leyendas que lo rodean, el mito Piaf es la encarnación de un genio francés que está más grande y vivo que nunca.

El ruiseñor de París era “una mujer inmensa en un cuerpo muy pequeño” y a pesar de haber aprendido a leer y a escribir tarde, alcanzó a registrar más de 80 canciones bajo su autoría e incluso llegó a cantarles a los soldados presos durante la segunda Guerra Mundial. Belleret logró no solo revelar sus secretos, sino que creó un libro álbum titulado Edith Piaf: Vivre pour chantier con todas las pruebas y entrevistas recopiladas en los archivos nacionales para conmemorar el centenario del nacimiento de la cantante.

Además, Belleret es autor de tres autobiografías en las que ha narrado su vida. La primera logra meterse en la piel del niño que descubre el mundo; la segunda, narra sus años de juventud, cuando enamorado de la literatura, la música y el cine, creó un cineclub mientras hacía su servicio militar obligatorio y se fue a descubrir el mundo gracias a uno de sus primeros trabajos, sellando tiquetes aéreos para una aerolínea; finalmente, la tercera narra su vida como periodista.

Una de las grandes cualidades de este biógrafo, periodista y aventurero, es que él no solo se queda en la historia de un libro, siempre va más allá: a todas las personas que ha admirado, ha hecho todo para conocerlas. Y a pesar de que no conoció al ruiseñor de París, la conexión con ella siempre ha estado presente en su vida. Belleret nació el mismo año que Edith Piaf grabó su canción emblema “La vie en rose”. Su fascinación por ella y su música lo llevó a descubrir su vida y obra, y el próximo año publicará la vida de Charles Aznavour, el artista vivo francés más importante en este momento, quien, entre otras cosas, compuso algunas canciones para Piaf.

¿Qué representó para usted la biografía de Edith Piaf?

Yo sabía lo mismo que muchas personas, pero cuando empecé a investigar fui a los archivos nacionales y poco a poco me fue encantando su vida y su genialidad. Tanto que hoy les agradezco a quienes me pidieron hacer la biografía por haber descubierto a esta mujer tan inmensa en un cuerpo tan pequeño. Todos los días descubría cosas increíbles. Me compraba un chocolate y me iba a un café y leía y leía y me divertía armando el rompecabezas de la historia. Su vida es una novela, una leyenda, llena de historias que se han transmitido como verdaderas siendo falsas. La película sobre su vida tiene muchos elementos que logran una buena trama pero que en realidad no fueron verificados: por ejemplo, dicen que nació en unas condiciones miserables, en unas escaleras, en plena calle, en Belleville; pero yo comprobé en gracias a su certificado de nacimiento que nació en un hospital. Mi objetivo no fue desmitificarla sino investigar e ir más allá.

¿Cuánto tiempo se demoró en la investigación?

Pasé un año y medio investigando y encontré cosas inéditas en los archivos nacionales. Me desplacé por varios lugares, leí 40 libros sobre ella y de ellos solo 4 eran serios. Analicé la letra de sus canciones, verifiqué aspectos que eran leyenda. Y para mí el aspecto mas fascinante, es que ella era un paradigma total, es decir, una inmensa artista en el cuerpo de mujer pequeña, era de una energía increíble y su estado de salud era deplorable. Venía de una clase pobre, pero no era miserable: su familia tenía un domicilio.

¿Qué otros aspectos de su vida descubrió?

Muchísimas cosas. Por ejemplo encontré un telegrama donde el actor Yves Montand, uno de sus amores, le decía a Edith Piaf que la dejaba porque ella era muy mayor para él, pero él decía en público que ella lo había dejado y él se había demorado tres años en recuperarse. ¡En realidad era él quien quería terminar la relación! O lo que mas me sorprendió, la correspondencia que ella sostuvo durante años con su amigo, profesor y confidente, Jacques Bourgeat, a quien ella llamaba cariñosamente “mi Jacquot” y él la llamaba “mi Piafou”. La primera carta que ella le escribió a la mano, sin puntuación y mala ortografía de doce páginas produce risa por su escritura fonética. Después, su progreso es prodigioso tanto así que llegaría a escribir canciones como La vie en Rose. Fue una gran descubridora de talentos y manipuló su imagen aun después de su muerte. Supo aprovechar su fama y dejó que muchos creyeran lo que se decía sobre ella. Falleció en Plascassier a los 47 años de edad por causa de cáncer hepático y le pidió a su último esposo Theo Sarapo que condujera su cuerpo en secreto de vuelta a París para hacer creer a todo el mundo que había muerto en su ciudad natal.

¿Cuál fue la importancia de crearse como mito?
Que a pesar de todas estas leyendas, ella es y seguirá siendo la primera gran cantante del Music Hall francés. Es un ícono musical muy importante.

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Su próxima biografía será también sobre una figura importante de la música francesa, Charles Aznavour…

Sí, sale a principios de 2017. Aznavour ha vivido el doble que Piaf pero pienso que su mejor época fueron los primeros 30 años de su carrera. Él es el artista francés vivo más grande del momento. Una de las canciones que compuso para Edith Piaf fue “Plus bleu que tes yeux”. Él aprendió la escena con Edith Piaf, pero ella jamás creyó en el talento de Aznavour. Sería después de la muerte del ruiseñor de París, que él llegaría a la cima del éxito. Yo nunca vi a Piaf en escena, pero si a Aznavour.

 Sus otros libros son autobiografías. La primera lleva como el título el nombre del pueblo donde nació.

Cuando estaba pequeño no me hacía muchas preguntas pero con el tiempo veo que fue una suerte haber nacido en un pueblito donde había esperanza y optimismo. En Bécon les Bruyères todo el mundo conocía la vida de todo el mundo. Mi familia era pobre y vivíamos seis personas en dos piezas de 50 metros cuadrados. Mi hermana mayor y mis hermanas mellizas estaban en un cuarto, y mis padres y yo, el más pequeño de la casa, dormíamos en la misma habitación que era a la vez sala comedor. En el mismo edificio vivíamos todo tipo de personas. Al frente de mi casa vivía un joven que luego fue Ministro. Al lado un obrero comunista, una familia católica llena de hijos, la portera y hasta las prostitutas eran vecinas. Tuve una infancia muy feliz.

¿Usted era muy cercano a sus padres?

Si, mi mamá hacía de todo para ganar un poco de dinero, cosía, cocinaba, llevaba las cuentas de la casa y mi padre era obrero en metalurgia pero amaba los libros. Lo adoraba, tenía una personalidad y una originalidad increíble, era tímido, acomplejado, no era como los otros obreros que al salir del trabajo se iban a beber a un bar. El no bebía, tenía un humor extraordinario.

¿La música ha hecho siempre parte de su vida?

Si, mi papá cantaba las canciones que conocía de memoria de la época anterior a la guerra. Luego, gracias a mi hermana mayor fui por primera vez a un Music Hall a ver a Luis Mariano, un tenor vasco español de gran popularidad en ese momento. Y cuando mi mamá empezó a trabajar en una disquera, le regalaban boletas para ir a conciertos.

¿Cuando era niño soñaba con ser escritor o biógrafo?

Yo soñaba con ser torero pero hoy detesto las corridas. Me fascinaba el espectáculo y el cine. Luego quise ser comisario de policía por Jules Maigret, el personaje de las novelas policiacas de Georges Simenon. Creo que la técnica de investigación de este personaje, ha influido mucho mi trabajo como biógrafo pues es como realizar una investigación policial. Otro de mis sueños era viajar. Y finalmente decidí ser periodista.

¿Cómo se le ocurrió la idea de crear un cineclub durante su servicio militar?

Fue a finales de los sesenta. En esa época el servicio militar era obligatorio y a mi gran amigo Jean Pierre Bouteillier y a mí, que somos anti armas, nos tocó irnos. Por un momento pensamos que nos enviarían a un lugar exótico y lejano, pero nos mandaron a la Selva Negra en Alemania. Era hermoso y lleno de nieve hasta abril pero el servicio militar era horrible. Tal vez, por eso decidí crear el cineclub, para distraernos. No siempre podíamos escoger las películas, pero en general eran buenas, como de cine italiano. Luego, gracias a la acogida, nos permitieron hacer el cineclub una vez a la semana en una verdadera sala de cine. Al principio me daba pánico hablar en público, luego fue fácil.

Usted no fue a la universidad. ¿Cómo llegó al periodismo?

Yo no llegué al periodismo por azar. Amaba escribir y le había dicho a mi hermana que eso era lo que deseaba hacer, por eso mi cuñado, que también es periodista, habló con el director del diario Le Progrès de Lyon y le mostró mi estilo. Envié una carta sin saber si me llamarían o no, y rápidamente mi hermana me dijo que tenía una cita con el director del periódico.

 ¿Entonces usted comenzó su labor periodística en Lyon?

Si, llegué a finales de marzo, no estaba bien abrigado y el frío era intenso. Me fui en autostop hasta Lyon. Mi cuñado me prestó una corbata. El director me dijo: “Usted tiene una elegancia de peinado que no es de mi estilo, comienza mañana”. Entonces comencé a cubrir los hechos de actualidad: los incendios, los crímenes, todo lo que usted se puede imaginar. En dos meses yo conocía la ciudad mejor que nadie. Los periodistas escuchábamos la radio y a veces llegábamos antes que la policía. Lyon en esa época era como Chicago en el tiempo de los gánsteres. Yo no me guiaba completamente por la fuente oficial, me gustaba hablar con la comunidad y buscar testimonios.

¿Cuándo comenzó a escribir para el diario Le monde?

Trabajé muchos años en el diario Le Progrès y luego comencé en la versión regional de Le Monde en Lyon, donde me especialicé en perfiles de personajes como Paul Bocuse, el gran chef francés. Tiempo después me trasladaron a París y fue cuando empecé la reportería de grandes sucesos.

¿Cómo describiría sus experiencias como corresponsal?

Es realmente lo que mas he amado: lo imprevisto. No me gusta saber que va a pasar. Prefiero que la vida me sorprenda. No me gusta ni siquiera escribir en una agenda. Me encantaba que me dijeran: Robert tienes que montarte en un avión a las 2:30 de la tarde y yo estaba siempre listo. Gracias también a mi esposa que me lo permitió.

¿Dónde fue su primer viaje como reportero de Le Monde?

Mi primer viaje fue a Uganda y apenas sabía donde quedaba en el mapa. Es una historia de la cual quisiera escribir un libro, pero no hay un editor que lo quiera publicar. La historia era sobre una secta que había quemado a mas de 200 personas vivas en una iglesia. Como no había equipo de fotógrafos, yo me iba solo y el periódico compraba las imágenes. Tenía un conductor para transportarme y cuando llegué vi noventa cuerpos. Era una aventura con un estrés terrible. Yo había estado en África y las condiciones son siempre difíciles, pero uno no se percata de la pobreza hasta que la vive. En Uganda pasé tres días. Eso sucedió en el 2000 y para mandar la información era a la antigua, no había celular, ni computadora, ni teléfono satélite y me tocó escribir todo a mano y encontrar un teléfono que funcionara para dictar el texto.

Usted pasó el peor susto de su vida en el Congo. ¿Qué le sucedió?

El peor susto de mi vida lo pasé en Kinshasa, Congo, cuando fui al funeral del Presidente Laurent-Désiré Kabila que había sido asesinado. Ese día muchos países africanos habían enviado sus ejércitos. Cuando volví al hotel, decidí salir porque quería ver el río Congo, que inspiró la película Apocalypse Now de Coppola. En el camino me pararon unos hombres y yo creí que eran policías, me pidieron mis papeles y yo mostré el pasaporte. Llamaron a otras personas como si estuvieran llamando a una patrulla, pero en realidad eran sus cómplices. Me montaron en un auto y comenzaron a conducir hasta que llegamos a un lugar, me pidieron dinero y yo solo les di lo que tenía en un bolsillo. De repente, otro grupo de hombres intentaron atacar el auto con piedras, entonces me dijeron que me bajara y yo preferí seguir en el auto, dieron una media vuelta a la carrera y al final me dejaron cerca del hotel. No eran malos, solo delincuentes comunes, hasta me devolvieron parte del dinero que me habían robado.

¿Y qué sintió cuando lo enviaron a Siria e Irak?

Yo tengo grandes amigos periodistas en otros medios de prensa extranjera y he compartido con ellos buenos momentos aun en medio de la adversidad. Mi viaje de quince días entre Damasco y Palmira para ver como estaba la situación en comparación con la de Bagdad, me marcó. Y luego me mandaron a Iraq, justo cuando los americanos acababan de tomar el control. Para llegar tuve que tomar un taxi de Damasco a Amán, en Jordania, y de ahí atravesar el desierto hasta llegar a Bagdad. Ese recorrido lo hice con dos periodistas franceses que fueron secuestrados, Christian Chesnot y Georges Malbrunot, y liberados 124 días después. Yo no estaba con ellos en ese momento, pero me siento afortunado de estar vivo.

También, por muchos años, usted escribió sobre política. ¿Cómo conoció a Ségolène Royal?

Hace mucho tiempo me pidieron que hiciera un perfil sobre Sególène Royal. No la conocía y la seguí por dos días en los que hizo una gira por su región. Yo vi su manera de ser con la gente y en ese momento escribí al final de mi artículo que podría convertirse en candidata a la presidencia. Todo el mundo se rio, porque en esa época no era imaginable. A ella le encantó el perfil que yo escribí y tiempo después me llamó para que trabajara con ella en su campaña presidencial, pero no acepté porque para mí es inaudito que un periodista político pase su tiempo con políticos.

¿Cree que Francia algún día tendrá una mujer Presidente?

Yo espero que sí y que me toque verlo a mí.

¿Cuándo decidió convertirse en biógrafo?

En realidad fue a partir de Leo Ferré, autor, compositor y poeta francés, que me apasioné por redescubrir la vida de artistas que han marcado a Francia. El día que yo lo vi en escena por primera vez, cantando los poemas de Louis de Aragon, sentí el deseo de conocerlo. Muchos años después, en Lyon, yo no tenía ni las mas mínima oportunidad de escribir algo sobre él, pero recibí una llamada de Le Monde para escribir un artículo sobre Ferré. Pasé la noche en un estado de emoción y escribí 12 páginas. Quería contar su vida. Mucha gente me felicitó y me llamó el jefe de la redacción y me dijo: tu artículo fue el evento del verano. Tú debes escribir un libro.

 ¿Fue fácil publicar esa primera biografía?

No. Cuando terminé el libro lo envié a una editorial reconocida y la editora me dijo que me iban a publicar. Al día siguiente me llamó y me dijo que no sabía como decirme, pero que mi libro había sido bloqueado y no podía publicarlo con ellos. En ese momento yo cubría una noticia de un conflicto político-financiero y por muchos años denuncié temas delicados en Francia. Creo que me pasaron la factura de cobro y nunca supe quien fue. Finalmente conseguí que una editorial se interesara y me publicara el libro de 500 páginas, que se vendió fácilmente.

Una de sus características como biógrafo es que usted tiene tanto material de cada personaje que siempre saca algo mas …

Sí. Yo puedo decir que conozco a Leo Ferré, Jean Ferrat y Edith Piaf como nadie los conoce. Empecé escribiendo el libro de Ferré por placer, pero cuanto más escribía, más me apasionaba cada detalle. Cada canción contaba algo de su vida y cada testimonio de un amigo suyo era también la historia de gente increíble. Pasé años investigando, todo esto en paralelo a mi trabajo de Le Monde.

¿Qué disfruta mas, ser periodista o biógrafo?

Cómo biógrafo disfruto mas escribir, pues como periodista, siempre sufrí al escribir mis artículos en medio de la presión que existe al ser corresponsal. Soy muy perfeccionista y para mi cada palabra cuenta. Cuando escribía para Le Monde a veces ni dormía, aunque amaba lo que hacía. El trabajo de un biógrafo es como el de un detective que debe descubrir todo con pistas y pruebas sin ocultar nada. Yo amo eso. Todos los personajes públicos maquillan un poco su vida y es al hacer las biografías que uno descubre ciertas inconsistencias entre la realidad y lo que se ha dicho sobre ellos. Creo que ser biógrafo me llevó a la conclusión de que me hubiera encantado ser historiador y pasar los días enteros leyendo archivos.

¿Cuáles son las características que debe tener un periodista para ejercer bien su profesión?

La clave es la diversidad y estar dispuesto a vivir lo imprevisto, que sea independiente, de preferencia que sepa escribir y ojalá que ame la literatura. Para mí ser periodista es el mejor oficio del mundo. Tengo la impresión de haber vivido 10 vidas en una, me siento afortunado de haber conocido todo, desde lo más duro y el mundo más bajo, hasta haber visitado palacios. En 38 años jamás escribí una línea en contra de mi conciencia. No escribí todo lo que hubiera querido escribir, pero tampoco escribí lo que no quería publicar. Ese es mi mayor orgullo.

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Reportaje Publicado en la Revista BOCAS El Tiempo en la edición #58 / Noviembre 2016

IndieBo, 10 días de cine independiente en Bogotá

indiebo-julian-romanJulián Román es Indie Gente en el Festival de IndieBo 2016

Por: Carolina Niso

“IndieBo”, el Festival Independiente de Cine de Bogotá, llega en su segunda versión, del 14 al 24 de julio con 100 películas nacionales e internacionales, documentales y cortometrajes de 35 países convirtiendo a la ciudad en una sala de cine de norte a sur. Una selección hecha a través del recorrido por los mejores Festivales de Cine del Mundo.

El festival fundado por Paola Turbay, Alejandro Estrada y Juan Carvajal en septiembre de 2014, es un proyecto con el apoyo público y privado que durante 10 días busca que Bogotá y sus habitantes aprecien lo mejor del Séptimo arte intentando llegar a un público de todas las edades, gustos y presupuesto con proyecciones en salas de cine, parques y diversos escenarios. Una selección que muestra historias comunes que inspiran y nutren los sueños, exponiendo un arte que abre paso a nuevas perspectivas y motiva a la gente a involucrarse con su comunidad.

La película de Israel “Junction 48”, ganadora del Festival de Tribeca, NY y del premio del público en el Festival de Berlín, inaugura IndieBo con la historia de un rapero israelita en la frontera con Palestina, quien a través de sus letras de contenido político habla de las raíces, la identidad, la familia y a pesar del entorno difícil, muestra optimismo. El director Udi Aloni se ha inspirado también en historias parecidas en América Latina.

Novedades

El Cine Bus

Este año, la Universidad Sergio Arboleda, en calidad de presentador oficial del evento, trae un proyecto de cine itinerante. El reconocido actor Julián Román es quién estará en el cine bus compartiendo con quienes no tienen la posibilidad de pagar una boleta o incluso no han visto nunca una película en pantalla grande. Por eso él es “indie-gente”. Expresión que toma el nombre del Festival y gente porque llega a la comunidad.

Cine al parque

Las presentaciones al aire libre se harán en dos parques de Bogotá́ del 20 al 24 de julio. En el Parque Metropolitano Timiza en la localidad de Kennedy las proyecciones comenzarán a las 5 de la tarde. Y en el parque El Chicó las funciones empezarán a las 7 de la noche.

Cine para todos e IndieBoX

Esta iniciativa del Ministerio de Tecnologías de la Información y las Comunicaciones (MinTic), en alianza con la Fundación Saldarriaga Cocha, posibilita la inclusión de personas con discapacidades visuales o auditivas a la experiencia del cine, gracias a herramientas tecnológicas de audio descripción, lenguaje de señas y subtítulos en tiempo real. Este año hay 8 películas para este público, entre ellas El Olivo, 100 años de Perdón, Perros, La Vache, Microbe and Gasoline y Little Man. Por su parte, El IndieBox, un proyecto de realidad virtual para todos y de todas las edades es gratis y estará ubicado en el Monumento a los Héroes. Son películas animadas donde la persona se transporta a otra realidad en menos de 40 segundos.

Categorías

Mundo (historias universales que nacen de culturas distintas y voces independientes), En Foco (cine diverso y refrescante), Lente lateral (películas originales gracias a la mirada particular de voces nuevas y arriesgadas) Encuentros (cine latinoamericano y español), Ventanas Abiertas (La mirada de grandes directores sobre hechos reales, el cine documental), Medianoche (el terror va más allá́ con narrativas innovadoras), IndieKids (películas animadas que trascienden la ilustración para crear universos únicos), Retrospectiva (Yang Zhang con una retrospectiva de su obra es una oportunidad para conocer de cerca el cine urbano de la China contemporánea), Cortometrajes (geografías diversas con historias que presentan realidades concretas).

En la categoría de Colombia, se presentan 3 propuestas narrativas que seducen por la frescura de su mirada: El Silencio del río, Inmortal y Viacrucis.

Dentro de esta selección, el escritor y crítico de cine, Hugo Chaparro, a su vez, Programador del Festival IndieBo, dice que una de las películas mas conmovedoras que recomienda al público, es “Best and most beautiful things”, que muestra a una niña discapacitada quien a pesar de sus limitaciones, se lanza a vivir y en ese camino de auto descubrimiento, persigue el amor y la libertad con humor y una curiosidad audaz.

Actividades, charlas y talleres

Más de 30 invitados entre directores, actores y conferencistas. Este año, las mujeres toman un lugar protagónico. Veintisiete títulos de mujeres de, aproximadamente, siete países llegan a nuestras pantallas, después de haber recibido grandes homenajes en Tribeca, Sundance, Berlinale, SXSW (South by Southwest), New York y Cannes. Doce de ellas vienen a presentar sus obras, dictar charlas y compartir sus experiencias con el público asistente en diferentes teatros.

Entre ellas estará presente Ellen Martínez la directora de “After springs”, un documental sobre refugiados sirios. Habrán también charlas sobre las minorías sexuales, el manejo del ritmo sin cortes en la edición como el diseño sonoro en una película de terror. Conferencias sobre la producción de cine a bajo presupuesto.

Es un encuentro para que los profesionales y estudiantes tengan acceso a los grandes maestros de la industria cinematográfica, a través de talleres y clases magistrales (IndieTalks).

La sede principal este año será en el Centro Comercial Andino y se podrán ver también películas en las salas de Cine Colombia de la Avenida Chile, Cinema Paraíso, Tonalá entre otros.

Para consultar la programación puede ingresar a la página web: http://www.indiebo.co

Artículo publicado el 18 de julio 2016 en Las2orillas.

http://www.las2orillas.co/10-dias-de-cine-independiente-en-bogota/

Révélations d’un Picasso

PABLO PICASSO ET SON MODELE SYLVETTE DAVID

Pablo PICASSO de profil, en chaussons, un pinceau à la main, assis dans un fauteuil devant plusieurs tableaux avec le modèle, Sylvette DAVID 19 ans, prenant la pose dans son atelier de VALLAURIS.

La légendaire revue Paris Match, invitée par la chaîne d’hôtels Sofitel, a décidé de promouvoir son patrimoine photographique et de présenter les pièces inédites qui dormaient dans ses archives. Une partie de ce travail prend forme dans le projet “Revealed”, une exposition puissante de 30 portraits de divers grands artistes du XXe siècle, tous dans leur atmosphère de travail : leurs ateliers. Olivier Widmaier Picasso, le petit-fils du légendaire artiste espagnol, a été le curateur de cette exhibition qui a parcouru le monde, dont la Colombie.

Par: Carolina Niso

Il avait seulement 12 ans quand, le 8 avril 1973, la nouvelle a surgi sur l’écran de la télévision. Olivier Widmaier Picasso pensait que lorsqu’ il y avait une interruption dans l’émission habituelle c’était qu’une catastrophe était survenue ou à cause du décès d’un Président de la République. Mais cette fois-là, ce ne fut pas le cas. La nouvelle était la mort de Picasso et la première pensée qui est venue à son esprit fut que son grand-père devait avoir été quelqu’un de très important. Le grand Pablo Picasso avait 91 ans et avait laissé derrière lui une empreinte indélébile. Comme Olivier lui-même le dit : “j’ai découvert mon grand-père ce jour-là. Pour moi, il est né le jour de sa mort”.

Ce fut avec le temps, en lisant, en faisant des recherches et en rencontrant des gens qui les avaient côtoyés, lui et son art, qu’Olivier a découvert la magnificence de l’artiste et qu’il a compris la valeur de son oeuvre. Ce fut le point de départ pour son livre “Picasso, un portrait intime” et de là, le film “L’inventaire d’une vie” a émergé.

C’est peut-être pour son origine, jointe à son expérience dans la conservation du legs artistique de Picasso, que la chaîne d’hôtels Sofitel a contacté Olivier Picasso pour être le Commissaire de “Revealed”, l’exposition d’images inédites des archives photographiques de Paris Match, avec 30 images des grands artistes du XXe siècle, tous dans leurs ateliers de travail. Une exhibition itinérante qui a atterri dans quelques pays comme la Chine, l’Angleterre, les États-Unis, le Canada, l’Allemagne et, maintenant, la Colombie.

Olivier, vous avez toujours été lié à l’art et la culture. Est-ce pour cela que l’Hôtel Sofitel vous a contacté ?

C’est le responsable de la communication de Sofitel à Paris qui m’a contacté. La chaîne avait déjà organisé l’exposition sur “Paris et les femmes” et voulait maintenant créer quelque chose autour des artistes. Ils ont pensé dès le début à Picasso, mais quand ils m’ont approché, je me suis dit : “Nous ne sommes pas dans un musée ici, ce n’est pas une galerie d’art”. Il fallait donc imaginer quelque chose de différent.

Pourquoi avez-vous choisi les photos des artistes dans leurs ateliers ?

L’idée était de montrer leur intimité qui peut être différente de leur image habituelle. Il y a des artistes qui ont des ateliers très propres. Il y en a d’autres dont le lieu de travail peut être une véritable folie. Dans le cas de mon grand-père, qui a été photographié plusieurs fois, sa maison entière était un atelier. Alors il m’a semblé intéressant de mener cette recherche.

MARC CHAGALL PEINT LE PLAFOND DE L'OPERA GARNIER

Le peintre Marc CHAGALL de profil, en blouse blanche, assis sur une chaise posée sur une estrade, peignant un des panneaux qui décorera le plafond de la coupole du Palais Garnier à PARIS.

Qui a fait la sélection des images des artistes dans leurs ateliers ?

Paris Match a décidé il y a longtemps de mettre en valeur son patrimoine photographique : cinq millions d’images. Parmi celles-ci, il y en avait plusieurs d’artistes, car depuis sa création, la revue a développé une relation spéciale avec les photographes qui avaient eux-mêmes un lien privilégié avec les artistes. Ils m’ont dit qu’ils avaient 1000 photos. Et de ce nombre nous sommes descendus à 100. Puis Sofitel a estimé que nous ne pouvions pas dépasser 30 images, toutes de la même taille standard afin de ne pas occuper trop d’espace.

Sur quels critères la sélection a-t-elle été faite ?

Le premier critère était technique puis il fallait faire la sélection artistique: un mélange entre des artistes très connus modernes et contemporains dans leurs ateliers. Parmi ces 30 images nous en avons trouvé cinq ou six de Picasso, mais il y en avait aussi quelques-unes très intéressantes d’autres artistes comme Keith Haring, qui représente la génération des années 80 ou Jeff Koons, l’un des grands artistes modernes.

Est-il vrai que Picasso avait peur de la photographie ?

Oui c’est vrai. Picasso avait très peur de la photographie puisqu’il croyait que cela signifiait la fin des peintres. Ensuite il a compris que l’artiste transmettait une émotion et que la photo pouvait aussi être une création. Après la Deuxième Guerre mondiale, avec l’arrivée des revues Life et Paris Match, il a considéré que la photo pouvait documenter son oeuvre. Il existe des milliers de photos de lui prises par de grands photographes dont certains sont devenus célèbres grâce à lui. Il jouait avec le photographe.

Quelles sont ces petites histoires entre les artistes exposés et Picasso ?

Picasso a été très ami de Miró. Il y a un film où ils se mettent des masques et rient comme des enfants. Avec Cocteau, c’était une amitié qui datait de 1915. Ce fut lui qui a aidé Pablo à s’intégrer dans la vie parisienne, car il a côtoyé les artistes et les grands mécènes, jusqu’au jour de sa mort. Bacon a été fasciné par Picasso lors de l’exposition de 1929, à tel point qu’inspiré par lui il s’est converti en un artiste. Bacon avait un grand talent, bien qu’il fût un homme très torturé; et alors qu’il vendait bien son oeuvre il menait une vie modeste. Je crois que le seul avec lequel Picasso ne s’entendait pas était Dalí. Cela avait beaucoup à voir avec sa vision politique. Dalí allait de gauche à droite et était ami avec Franco. Je crois que Dalí cherchait un peu la reconnaissance de Picasso alors que Pablo, précisément, l’ignorait.

JOAN MIRO A MAJORQUE

Joan MIRO peignant un tableau dans son atelier de MAJORQUE avec un énorme soleil de palmes tressées pendu à une ficelle.

Quelle est votre relation avec Jeff Koons ?

Je le connais bien. Dans le film documentaire sur Picasso, Koons raconte que le jour où Picasso est mort, alors qu’il étudiait les Beaux Arts en Pennsylvanie, tout le monde a arrêté de travailler. Il possède sept tableaux originaux de Picasso parce qu’il l’adore. Ça m’a impressionné. Jeff Koons a dans son atelier 10 personnes qui travaillent sur son oeuvre et il a été exposé dans les grands musées du monde. Tout de suite nous sommes devenus amis.

Vous avez une anecdote très curieuse dans l’atelier d’un artiste français Raynaud.

Jean-Pierre Raynaud est un artiste français de 70 ans qui vit à Paris dans un appartement blanc, très aseptisé. Il n’y presque pas de meubles. Je suis allé chez lui faire un documentaire et tout à coup il m’a dit qu’il voulait me présenter son fils. Immédiatement il a pressé un bouton et une femme est apparue en kimono, un enfant dans les bras. Tout de suite j’ai eu l’impression que la femme marchait en reculant. Et quand je pense à lui, je vois l’atelier de Raynaud comme un hôpital ou une infirmerie. Quelque chose de très étrange.

Avez-vous écrit les textes qui accompagnent les images ?

Le texte, nous l’avons trouvé avec les photos. Nous avons voulu reprendre l’original qui a été imprimé avec le magazine Paris Match à cette époque-là.

Quels enfants d’artistes avez-vous dans votre cercle d’amis?

Parmi mes amis, se trouvent le petit-fils de Miró, l’arrière-petit-fils de Pissarro; et la petite-fille de Renoir est une bonne amie. Je connais aussi la famille de Matisse. Nous sommes en quelque sorte des amis qui appartiennent au même monde, parce qu’il y a une logique à nous connaître et à nous comprendre grâce à l’art. Et cependant, nous voyons les différences.

Comment ce fut de grandir dans l’univers Picasso ?

Il est vrai que j’avais un univers naturel de Picasso à la maison. Il y avait des tableaux, des dessins, des photos, mais j’étais un enfant. Je savais que j’avais un grand-père très connu, mais mon père faisait très attention à ce que nous ayons une vie normale. Par exemple, il parlait de son beau-père, mon grand-père, comme “le père de mon épouse Maya”, pour créer une distance; et alors que tout le monde disait : “Picasso”.

Qu’est-ce-que signifie pour vous être le petit-fils de Picasso ?

J’ai mis du temps à m’en rendre compte; jusqu’à ce que j’écrive le livre suivi par le film. J’ai compris qu’il incarnait l’évolution de l’art et de la société du XXe siècle. Je ne me rappelle aucun moment avec mon grand-père. Mon oncle m’a raconté qu’à la fin de sa vie, sachant qu’il lui restait peu de temps, Picasso a peint beaucoup de portraits très colorés. Les Mousquetaires par exemple. Il demandait à être tranquille et sa dernière épouse, Jacqueline, parfois ouvrait la porte et alors il s’énervait. À la fin il voulait seulement être seul.

Qu’est-ce qui vous a le plus impacté dans l’art de votre grand-père ?

Quand j’ai mené mes recherches j’ai découvert qu’il avait réussi à être célèbre sans expliquer son oeuvre. Nous la comprenons ou nous ne la comprenons pas.

Interview faite et publiée dans le Magazine Bocas, El Tiempo, dimanche 24 avril 2016

Olivier art publiee Bocas

Olivier Widmaier Picasso

“TOXIC”, from Graffiti in the Subways of New York to Art Galleries and Museums

Portrait of Artist Torrick Ablack , TOXIC, Atelier in Paris

Portrait of Artist Torrick Ablack , TOXIC, Atelier in Paris. Photo by: Alejandra Gómez

By: Carolina Niso

Most people have seen graffiti with its amazing, colorful, stylized letters and cartoon characters painted on walls throughout cities. In the Bronx, in the 70’s, the creators of this urban art form were street artists, most of whom were of Hispanic or Afro-Caribbean descent. They used the trains and corridors of the New York subway system as their first canvases, writing “Tags” and drawing graffiti in a unique “underground style”.

Their work rarely received recognition from the art world until they painted graffiti on canvas, establishing a new art genre and movement. Today, graffiti can be seen in art galleries and museums throughout the world. One of the few survivors of the original movement is the the American, Torrick Ablack, nicknamed “Toxic”. In this interview, he talks to “El Tiempo” about his life and path from the beginning.

With his free, cool style, unhampered by the dictates of classic art genres, Toxic is a master of color. The experience is not improvised as his close friend and art gallery owner, Jean Marc Desloubieres, affirms. He reflects on his first encounter with the artist. “I met Torrick for the first time at the exhibition on street art at the Grand Palais in the beginning of 2009. There were many artists there. I just adored Toxic’s work. I went to meet him and we became friends.”

During his artistic career, Toxic has kept a special place for his childhood friends like Rammellzee, A-one and Koor, with whom he used to paint subways. He has particularly fond memories of Jean Michel Basquiat. He admires him, and appreciates the time they shared together as well as his exhibits up until his tragic death.

Citizen of the world, Toxic began traveling overseas when he was young. Italy was the first country he visited and it eventually became his home. Today, he is based in France, but spends his time between Paris, Florence and New York.

51-year-old Torrick Ablack can say that his life has been a series of encounters and constant learning. He is fluent in three languages (English, French and Italian) and taught himself the techniques of graffiti. His work has been shown in some of the most prestigious art galleries in the world. He was featured in the group exhibit, “Le Pressionnisme”, at La Pinacoteque Museum in Paris in 2015. His most recent show was in the Amsterdam Museum, Netherlands “Graffiti, New York meets the Dam“.

 When were you born?

I was born on January 16, 1965 in the Bronx. I lived there for 21 years. My mother came from Puerto Rico. My father was actually born in New York but his family was from Trinidad. At home, we always spoke a mix of Spanish and English.

How did you start painting with Rammellzee, A-one and Koor?

A-one and Koor, we all grew up in the same neighborhood. We met when I was 10. We played basketball, hockey and rode skateboards together. Rammellzee was going to the same school as A-one. But I didn’t know they were doing graffiti because they didn’t sign their real names. I was just seeing their “tags”. One day A-one told me everything, so I asked him if I could draw with them and we formed a group of three. I was 13 years old!

How did you get the nickname Toxic?

I used to play basketball with Spanish guys who called me Toxic Battery. I loved it. I remember the day I started painting graffiti, and I wrote Toxic for the first time!

Where did you get your acrylics from?

We use to go to hardware stores. At that time there weren’t so many colors, maybe 15 or 20. We got what we could.

Where did you find inspiration?

Each artist needed to have his own style. In my case, when we were three, it was easy. But when we discovered that there were 200 guys doing graffiti in New York at that time, it was hard. So, we had to stay at home, draw and practice a lot. Each artist needed to have his black book (the precious book of photos of our work as well as our competitors’), pencils and markers. We talked and drew all day.

At that time, did you realize you wanted to become an artist?

I didn’t think we were going to make money painting trains! I was thinking we were going to end up in jail! (laughs) But the police never caught us.

I saw that we could probably make money from this when we started painting clubs and designing stuff for other people.

How old were you when you started to paint nightclubs?

I was sixteen when I started to paint trains and then some people invited me with my friends to paint a club and to paint T-shirts. After that, we started going to small exhibits in New York at the “Graffiti Aboveground Gallery”. The artists from the older generation were painting on canvas with markers and spray paint. We were impressed and surprised!

Who invited you to do your first show?

Stefan Eins and Joe Lewis, the directors of Fashion Moda. It was at a gallery, an alternative art space in the Bronx, similar to PS1 in New York. Many artists showed there like Keith Haring.

When did you start your artistic career?

I was eighteen when Sydney Janis (a well known person in the art world) asked me what I wanted to do and I told him that I wanted to paint. Just after, Salvatore Alain, a guy from another gallery, took me to Italy and then I started to travel a lot.

What is your technique?

It’s a mix. I don´t use oil paint because it is really risky and not good for your health. That’s why I started to use acrylic paint and I can work with it to have the same texture as oil paint.

How would you describe your art?

I don’t know. I don’t like the term Street Art. I hope I’m considered as a contemporary artist.

Portrait of Artist Torrick Ablack , TOXIC, Atelier in Paris

Portrait of Artist Torrick Ablack , TOXIC, Atelier in Paris. Photo by: Alejandra Gómez

Can you explain your evolution?

I started painting in the streets, painting around schools and on trains. Then I started painting on canvases, doing shows at galleries, traveling around the world, meeting other people, and learning new things. I’m still painting, will keep painting, and won’t stop.

Did you study art?

I wanted to go to Parsons School of Design, but I finally I started to travel and I learned on the job.

 Basquiat was one of your best friends?

Yes. I met Jean just after his show at the Annina Nosei Gallery. He was already a well-known artist. Jean was a protector for me because I was younger than he was and our mothers were Puerto Rican. He always kind of pulled me to the side to make sure I was okay. When people say that Jean Michel was a sad person, it’s really messed up! People took advantage of his kindness. I still remember the day he took the picture of A-one and I, and then he did one of his best paintings, “Hollywood Africans”. The best memories of my life are with my friends.

You also got to meet Keith Haring and Andy Warhol. Did these artists influence your style?

I knew Keith Haring but I can’t say that we were friends. I used to go to his studio and we were hanging out with the same people. Andy didn’t talk much but I used to hang around him a lot. Keith never inspired me but Andy inspired me for sure.

What was the atmosphere like at that time?

In the 80’s, there were a lot of drugs! A lot of people made it through that stuff. You needed to be strong! It was very hard growing up in the 80’s in New York. But at the same time, it was a very creative period. Now, it’s difficult to do something original. I wouldn’t want to be born now! I’m happy that I grew up in the 1980’s.

What is your best memory of traveling?

Has to be the first time A-one and I went to Europe. We spent two months in Milano, where each one did an exhibition.

I moved to Italy when I was twenty-one, to a little town in the mountains in Tuscany. I spent six years in Italy. I couldn’t even talk to people because I couldn’t speak Italian! It changed everything for me. It made me think about what I wanted to do. Up until then, I had been part of a group. I learned to be an individual. It was cool. I used to go to NY, see everybody, go out to clubs. But I knew two weeks later, I would be on a plane back to Italy. There were no drugs there. It was a good thing for me. That saved my life.

When did you first go to Paris?

I think it was in 1991 when Jack Lang was the Minister of Culture. He organized the first exhibit of art of the 80’s at the Musée des Monuments Français. I was invited and I stayed for a week. I didn’t like it at first but now I feel Paris is my third home. I was 25 when I moved to France. It was harder to learn French than Italian.

How France has influenced your artwork?

Paris has influenced me a lot. I’ve met a lot of interesting people that I still see. They do shows in galleries. I go to their shows and we talk.

Have you participated in any fundraising events?

I’ve done many because it is a way to use my art to help someone, especially when it’s for kids. Last year, I was invited to do a show in Geneva for a foundation.

How did you feel about seeing your paintings displayed with those of your friends at the exhibit at La Pinacotheque de Paris?

It was nice to see my paintings hanging next to my friends’. From this group, a lot of the French guys are still alive, like Future. The American guys like A-one, Dondi, Ramellezee, Jean aren’t here anymore. They all died. It’s nice to see all the work together. It makes me think about what I was doing before and what I’m doing now. Those paintings have been in private collections since the 80’s. I hadn’t seen them since I sold them.

Can you tell me about your project with Pierre Frey, the wallpaper and design company? 

It happened before La Pinacotheque. Pierre Frey has done stuff with other artists but it’s the first time he’s worked with someone with my style.

Finding the right concept wasn’t easy but I am happy with the result.

Any shows or exhibits coming up?

I don’t know. I just finished the exhibit “Graffiti, New York meets the Dam“, in the Amsterdam Museum. For now, I enjoy my studio and I’m trying to sell my paintings.

The Man behind the Artist

I have a daughter. I raised her by myself. Her mother passed away twenty years ago and I took Osciana to live with me. Then I had my second child in Paris. He’s French, a Parisian. His name is Lalo. He’s so French! I thought Osciana was going to be an artist. She isn’t. Lalo is like me. He loves art!

How would you describe yourself?

I’m just human. I don’t like to hurt anyone. I prefer to inspire people. I’m still learning. Nobody’s perfect. I just try to be happy, really happy.

Interview published at the journal El Tiempo on January 30th 2016

EL TIEMPO Toxic

Edith Piaf, Una artista inmensa en una mujer pequeña

Edith Piaf y su acordeón 1936 Foto tomada del libro Vivir para cantar Belleret

Foto tomada del libro “Edith Piaf, vivre pour chanter” de Robert Belleret. Editorial Gründ

“El don extraordinario de la voz, sus cualidades, la generosidad y la inteligencia que se debe tener para hacer lo que hizo”. Charles Dumont, su amigo y compositor.

Lejos de los circos burgueses de París, en medio de viajes itinerantes de provincia en provincia y de espectáculos callejeros, transcurriría parte de la infancia de Edith Piaf, el ruiseñor de París, quien a los 10 años ya cantaba en la calle, al lado de su padre.

A pesar de que era casi iletrada, fue una autodidacta que aprendió a escribir de manera tan sublime que en su carrera se cuentan 82 canciones registradas, muchas de ellas de su autoría. Édith Giovanna Gassion era de familia modesta; su padre, Louis Alphonse Gassion, era acróbata y contorsionista y su madre, Annetta Maillard, conocida con el nombre artístico de Lina Marsa, era cantante ambulante.

Durante décadas, cientos de turistas han llegado hasta la puerta del edificio número 72 de la calle de Belleville, París, para leer la placa que dice: “Sobre las escaleras de esta casa nació el 19 de diciembre de 1915 en la indigencia mas grande, EDITH PIAF, cuya voz más tarde, transformaría al mundo”.

Este año, Francia celebra el primer centenario de su nacimiento. Edith Piaf, la cantante ícono francesa, sigue siendo una leyenda no solo por sus canciones y su genialidad indiscutible sino por ser un paradigma total: una inmensa artista en el cuerpo de una mujer muy pequeña de 1.47 de estatura, con una energía desbordante pero con un estado de salud deplorable, con una vida llena de tristezas y a la vez de triunfos y de amantes.

El mito

Son bastantes las historias que se tejen alrededor de la artista. Casi un siglo después, Robert Belleret, el escritor, periodista, antiguo reportero de Le Monde, y uno de los biógrafos más importantes de Francia, se dio a la tarea de hacer una búsqueda casi policial para redescubrir a la artista. Durante un año y medio de investigación, encontró cosas inéditas en los archivos nacionales, se desplazó por varios lugares, leyó 40 libros sobre ella, analizó la letra de sus canciones, verificó aspectos que eran leyenda. En sus libros “Piaf, el mito francés” y el libro álbum “Edith Piaf, vivir para cantar” 2015, constató hechos como el verdadero lugar de su nacimiento o que su abuela realmente no le daba vino en vez de leche.

Retrato M Belleret biblioteca

M. Robert Belleret. Antiguo Reportero de Le Monde y biógrafo.

Belleret reconstruye la globalidad de la vida y la carrera de Edith Piaf a partir de elementos nuevos y archivos, donde revela entre otras cosas, que es posible que su madre ya estuviera en los dolores de parto en las escaleras del número 72 de la calle Belleville, y de ahí la historia de la placa, pero gracias al certificado de nacimiento firmado por la enfermera Jeanne Crauzier, en ausencia del padre de la niña, pudo comprobar que la madre alcanzó a llegar al Hospital Tenon, ubicado no muy lejos de allí.

También es sorprendente que Edith Piaf siendo aún muy joven y en los comienzos de su carrera artística, aprendió a escribir a través de la correspondencia que sostenía con su amigo mayor, poeta, profesor y confidente, Jacques Bourgeat, a quien ella llamaba cariñosamente “mi Jacquot” y él la llamaba “mi Piafou”. El escribiría para ella su primera canción: “Chants d’habits” (Cantos de vestidos). En los archivos nacionales están las cartas que ella le escribía casi de forma fonética donde la primera carta data de 1936, un texto sin signos de puntuación y lleno de errores ortográficos. Después de la Guerra, las cartas encontradas demuestran su progreso prodigioso y como gracias a él, se cultivó en diferentes temas.

El autor apuesta que una vez desmitificada, Piaf es la encarnación de un genio francés, que sale grande y más vivo que nunca. La vida de Piaf es un libro como nadie se puede imaginar: seducción, pasiones, sufrimientos, accidentes, hospitalizaciones, desintoxicaciones, reencuentros, descubrimientos y sobre todo triunfos hasta América que ella recorre años enteros.

Venida de una clase pobre, pero no miserable, mintió sobre aspectos de su vida que son increíbles, pues dijo que había comenzado a cantar mas tarde y no clarificó otros. Era una niña en la calle de pueblo en pueblo en Francia y a pesar de todo llegó a tener un nivel muy alto.

Edith Piaf tenía un gran carisma, pero al mismo tiempo su temperamento era tan dulce como amargo. Por ejemplo, con su media hermana sostuvo una relación lejana, Piaf fue a verla a Canadá, pero no quiso recibirla antes de su muerte, cuando ella vino a visitarla. O la relación que sostuvo con el cantante Charles Aznavour, quien hizo para ella desde conductor, hasta asistente o cantautor en sus conciertos. Solo fueron amigos y a pesar de la cercanía y la habilidad de Piaf para descubrir talentos, nunca imaginó que Aznavour alcanzaría el éxito después de su muerte y por su propio mérito.

Robert Belleret afirma que la historia de Piaf es arreglada, como una novela al igual que la película que tiene muchos elementos que logran una buena trama pero que en realidad no fueron verificados. Su objetivo no fue desmitificarla sino investigar e ir mas allá. Según él, “ser realista no me impide admirarla. Ella era un genio en su género. Un personaje de excepción”.

¿La vie en Rose?

Es innegable que la vida de Edith Piaf no fue de color rosa. Su infancia no solo transcurre en la calle, también crecería en el negocio de su abuela “Tintine”, una casa de prostitución en Bernay, Normandía. Y luego, tal vez por remordimiento o por interés, la niña es recuperada por su padre para cantar en la calle como lo hacía su madre. A los 14 años, Piaf ya vivía sola y subsistía de lo que recogía cantando con su amiga Simone Berteaut, a quien llamaba “Momone”. Y mientras ellas cantaban, su niña Marcelle de 3 años, nacida de su romance con un joven mensajero, Louis Dupont, moría de meningitis.

“Non, je ne regrette rien”

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M. Charles Dumont -compositor y pianista- y Edith Piaf

Descubierta por Louis Leplée, el dueño del Cabaret Gerny’s, quien la rebautizó con el nombre de Edith “la Môme Piaf”, le dio la oportunidad de cantar por primera vez en un escenario “Les Mômes de la cloche” (“Los niños de la campana”) convirtiéndose en su entrada triunfal al mundo de la música. Sin embargo, el asesinato de Leplée, la llevaría de nuevo a la calle. Sería luego, el compositor Raymond Asso, autor de “Mon légionnaire” y Margarite Monnot, la compositora musical de sus primeros éxitos, quienes la prepararían para ser una cantante profesional del Music hall. Se acercaba la Guerra y durante la ocupación Nazi, cambió su nombre a Edith Piaf.

Muchos años pasarían entre conciertos, obras de teatro, cine y triunfos en Europa, Nueva York, Hollywood, América Latina, etc. En medio de sus dolores físicos y morales se convertiría en adicta al alcohol y la morfina. Las entradas y salidas de los hospitales, eran rutina como sus amores tan grandes y pasajeros que la llevaban al delirio y la pasión. Y sin descanso obsesionada por complacer a su público realizaba giras suicidas cuando su cuerpo no podía más con el ritmo de vida que llevaba.

Pero antes del ocaso, el destino tenía preparado un encuentro que impulsaría aún mas su carrera. Charles Dumont quien no pudo ser trompetista por una infección de amígdalas, terminaría siendo pianista e intentaría sin éxito durante 5 años presentarle sus canciones a la artista.

Dumont vivía en el mismo apartamento que habita hoy a sus 86 años en la Place d’Orsay, del barrio 6 de París. Por esa época, decidió llamar a su amigo autor Michel Vaucaire para que escuchara una canción que venía de componer. A los dos días, Vaucaire ya había escrito la letra para la música de “Non, je ne regrette rien” para Piaf. A Dumont no le gustó ni el título ni que fuera para ella. Sin embargo, Michel Vaucaire consiguió la cita para octubre de 1960 en la casa de la artista.

Ese día, en la puerta 67 bis del bulevar Lannes del barrio 16 de París, cuando él terminó de tocar, la cantante se transformó. “Esa canción me encanta, será la primera de mi repertorio en París, mi regreso en escena después de 3 años. Yo le aseguro que esa canción hará el tour del mundo y siempre estará con usted”. Y no se equivocó.

Dumont compuso para ella la música de más de 40 canciones pero ella grabó alrededor de unas 30. Compusieron y cantaban juntos “Los Amantes” aunque nunca lo fueron pues su amistad era profunda. A tal punto, que un día Dumont llegó a su casa y ella bañada en lágrimas le mostró la canción que había escrito contando lo que ella sintió el día que recibió la noticia de la muerte trágica de su amor, el boxeador Marcel Serdan. Él conmovido compuso la música de “La plus belle histoire d’amour” y se convirtió en su canción favorita.

“El himno al amor” es una canción que ella hizo para ella misma aunque parecía escrita para los dos y el día que se enteró de su muerte, se la dedicó. Su generosidad la llevó a encargarse de la viuda de Serdan y de sus hijos quienes la querían como a una tía.

Edith Piaf no poseía una gran belleza pero tuvo muchos amantes y decía: “estuve muchas veces enamorada y no me arrepiento de nada”. Lo que ella escribió de amor era tan audaz que hoy es todavía moderno, tenía la suerte de la fórmula en la composición de sus canciones. Chales Dumont, su amigo, pianista y compositor es uno de los pocos amigos vivos que aun quedan y a quien le costó reponerse de su muerte. Hoy todavía dicen: “ahí va Charles Dumont el compositor de Edith Piaf”. “Yo no viví jamás en la sombra sino en la luz de Edith”.

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Por su parte, Bernard Marchois, amigo de la artista y director del Museo Edith Piaf, cuenta que el recuerdo más maravilloso que tiene de ella es cuando la veía en su casa repitiendo canciones que aún no se sabía. Como Que nadie sepa mi sufrir (La Foule), vals peruano compuesto por el argentino Ángel Cabral y que se convirtió en un gran éxito en la voz de Piaf con la letra de Michel Rivgauche.

A comienzos de 1956, después de una exitosa presentación en el Carnagie Hall de Nueva York, Piaf viajó a Cuba para tocar durante 10 días en el Cabaret Sans-Souci. De ahí pasó a Miami y a México, donde se presentó en el Cabaret El Patio, ocasión que aprovechó para cantar 3 de sus grandes éxitos en español: La vida en rosa, El himno al amor y Las hojas muertas.

Regresó a NY, para volar a Río de Janeiro, donde, pese a su aversión a hacer los recorridos obligados de los turistas, visitó sus largas avenidas, sus playas blancas, el Corcovado, al igual que una escuela de samba. Por último, asombró a todos en el Palacio Copacabana del 9 al 22 de abril de 1956, delante de un público carioca conquistado por su talento. São Paulo le gustó menos, pero regresó a París fascinada por el exotismo de América Latina.

Su última morada

Su nacimiento como su muerte encierra un secreto y una verdad indiscutible, ella manipuló su imagen hasta el final. Su fallecimiento fue anunciado oficialmente el 11 de octubre de 1963, aunque algunos dicen que fue el 10, pues falleció en Plascassier a los 47 años de edad de cáncer hepático, pero su último deseo fue que su cuerpo fuera transportado hasta París de forma secreta para hacer creer a todo el mundo que había muerto en su ciudad natal.

Al enterarse de su muerte, su gran amigo, el intelectual Jean Cocteau, no solo escribió para ella estando joven su primera pieza de teatro “La Belle indifférent” sino que escribiría ese mismo día un texto sin saber que esa tarde él también moriría. “El barco se acaba de hundir. Este es mi último día en esta tierra”.

Ese día, una inmensa multitud de admiradores salió a acompañarla desde el boulevard Lannes hasta el Cementerio Père-Lachaise. Allí reposa junto a su padre y a su hija Marcelle. Theo Sarapo, su último esposo moriría luego en un accidente automovilístico en 1970 y fue enterrado en la misma tumba. Las hermanas del artista griego recibieron toda su fortuna.

La leyenda continúa

Exposicion BFM 2 2015

Exposición Piaf en la Biblioteca François Mitterand

La exposición realizada en la Biblioteca François Mitterand por los curadores Joël Huthwolh y Bertrand Bonnieux, gracias a la colección privada de la Biblioteca, a los objetos donados por su secretaria Danielle Bonel, con la colaboración del Director del Museo Edith Piaf, Bernard Marchois, organizaron un recorrido dividido en 4 secciones acompañados de su repertorio musical: “La mujer del pueblo”, expuso su origen e infancia, “Una voz”, presentó su carrera musical, “Himno a la amor” la mujer enamorada y espiritual. “Piaf, el fenómeno y la leyenda” mostró a la artista mediática. Esta exposición se hará itinerante en otras ciudades francesas y el extranjero.

El 19 de diciembre de 2015 están programadas una misa en la iglesia de Saint Jean Baptiste de Belleville, donde Piaf fue bautizada en 1917, una visita al cementerio Père Lachaise y en la noche, una comedia musical “PIAF, Le spectacle”.

Artículo publicado el jueves 17 de diciembre en el periódico El Tiempo

http://app.eltiempo.com/estilo-de-vida/gente/perfil-de-edith-piaf/16460263

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